La Doppia Vita tra Diritto e Pittura

Nel 1958 Giorgio Griffa si laurea in Giurisprudenza all’Università di Torino e inizia la professione di avvocato, attività che porterà avanti per tutta la vita accanto alla pittura. Questa doppia identità non rappresenta una contraddizione, ma una forma di indipendenza: il lavoro forense gli garantisce autonomia dal mercato dell’arte e gli permette di sviluppare la propria ricerca senza compromessi.

Per Griffa la pittura non è mai un prodotto chiuso, ma un processo aperto. La sua celebre idea della pittura come “immissione nel mondo di un segno che non conclude mai se stesso” diventa il nucleo della sua poetica: il segno non termina nell’opera, ma continua a esistere come gesto, memoria e possibilità.

Verso una Nuova Idea di Pittura

Tra il 1960 e il 1963 Griffa frequenta la scuola privata di Filippo Scroppo, pittore astratto torinese, docente all’Accademia Albertina e vicino al Movimento Arte Concreta. Da questa esperienza non eredita un linguaggio rigidamente costruttivo, ma una maggiore consapevolezza degli elementi interni della pittura: superficie, composizione, ritmo, segno.

A metà degli anni Sessanta avvia una progressiva spoliazione degli elementi rappresentativi. La figurazione si alleggerisce fino ad arrivare ai primi lavori non rappresentativi e al ciclo dei Quasi dipinti, dove si definisce uno dei principi centrali della sua opera: il non finito. Per Griffa l’incompletezza non è mancanza, ma apertura. La tela diventa un campo in cui il gesto accade, senza chiudersi in una forma definitiva.

La Tela Libera e il Rifiuto del Telaio

Nel 1968 Griffa espone i Quasi dipinti alla Galleria Martano di Torino, segnando la svolta decisiva della propria ricerca. In questi anni abbandona definitivamente la figurazione e concentra il lavoro su segni elementari, ripetuti, tracciati su tele grezze di juta o cotone.

La scelta più radicale è l’eliminazione del telaio. La tela non è più tesa su una struttura rigida, ma fissata direttamente alla parete, lasciata libera di mostrare la propria natura tessile, i bordi, le pieghe, le irregolarità. In questo modo l’opera non si presenta come immagine conclusa, ma come superficie viva, capace di respirare nello spazio.

Una Ricerca Indipendente tra Arte Povera e Pittura Analitica

Nel 1969 Griffa inizia la collaborazione con la Galleria Gian Enzo Sperone di Torino, entrando in contatto con l’ambiente dell’Arte Povera e con artisti come Giovanni Anselmo, Gilberto Zorio e Giuseppe Penone. Pur condividendo con quella generazione il rifiuto delle forme tradizionali dell’opera, Griffa mantiene una posizione autonoma: mentre molti artisti poveristi abbandonano la pittura, lui continua a interrogarne gli elementi primari.

Il suo percorso viene spesso accostato all’Arte Povera, alla Pittura Analitica e al Minimalismo, ma rimane sostanzialmente solitario. Griffa dialoga con le correnti del suo tempo senza aderire pienamente a nessuna di esse, costruendo una pratica rigorosa, fisica e meditativa, fondata sulla continuità del gesto pittorico.

Nel 1970 espone nelle gallerie di Ileana Sonnabend a New York e Parigi, ottenendo un primo riconoscimento internazionale e inserendo la propria ricerca nel dialogo tra scena europea e americana.

Il Linguaggio del Segno

La pittura di Griffa si fonda su un vocabolario ridotto agli elementi essenziali: linea, punto, arabesco, colore, ritmo. I suoi Segni primari, iniziati nel 1968 e mai realmente conclusi, si dispongono sulla tela seguendo un andamento interno, senza obbedire a una composizione prestabilita.

L’arabesco diventa uno dei motivi centrali della sua ricerca: un segno che ritorna, si ripete, procede e si interrompe, portando con sé una memoria antica e collettiva. Il colore, steso sulla tela grezza, non copre la superficie ma la attraversa, si assorbe nel tessuto e dialoga con la materia stessa dell’opera.

In Griffa la pittura non costruisce immagini: lascia tracce. Ogni gesto appare essenziale, interrotto, sospeso, come se l’opera non volesse mai chiudersi definitivamente.

La Pittura come Memoria

Negli anni Settanta Griffa consolida la propria posizione all’interno della Pittura Analitica italiana, accanto ad artisti come Claudio Olivieri, Pino Pinelli, Gianfranco Zappettini, Elio Marchegiani, Claudio Verna e Riccardo Guarneri. La sua ricerca condivide con questa tendenza l’indagine sugli elementi costitutivi della pittura: tela, colore, segno, gesto, rapporto tra opera e autore.

La sua specificità, però, sta nel rapporto con la memoria. Per Griffa ogni segno pittorico porta con sé la storia della pittura e della mano umana. L’arabesco, la linea, la ripetizione non sono forme astratte arbitrarie, ma tracce che attraversano culture, epoche e civiltà diverse.

Dipingere significa quindi entrare in una conversazione millenaria, non iniziare da zero. La pittura non cancella ciò che la precede, ma lo riattiva attraverso un gesto nuovo, fragile e aperto.

Il Maestro del Segno Aperto

Dagli anni Settanta in avanti Griffa partecipa a importanti appuntamenti internazionali, tra cui la Biennale di San Paolo nel 1977 e la Biennale di Venezia nel 1978 e nel 1980. Nel 2007 viene eletto tra gli accademici nazionali dell’Accademia Nazionale di San Luca, riconoscimento che conferma il suo ruolo centrale nella pittura italiana contemporanea.

Nel 2017 torna alla Biennale di Venezia, quasi quarant’anni dopo la prima partecipazione, in un momento in cui la sua opera viene ormai riconosciuta come una delle ricerche più coerenti e radicali del secondo Novecento.

Giorgio Griffa vive e lavora a Torino, la città in cui è nato e da cui ha costruito una pratica pittorica fondata sulla continuità, sulla libertà e sull’incompiutezza. La sua pittura resta un luogo aperto: non un’immagine finita, ma un segno che continua a esistere, a interrogare la memoria della pittura e a proseguire oltre il limite della tela.