1963–1966: i primi anni e la Piccola Galleria

La prima esposizione pubblica di Zorio si tiene nel 1963 alla Piccola Galleria d’Arte Moderna di Torino. Ha diciannove anni e dimostra già una precocità artistica che pochi della sua generazione possiedono.

Nei due anni successivi si avvicina alla scultura in bronzo frequentando botteghe di fusione, colorifici e ferramenta. Più che un percorso accademico, è un apprendistato a diretto contatto con la materia: osserva come i materiali reagiscono al calore, alla pressione e alle trasformazioni fisiche e chimiche.

È in questi luoghi che prende forma il principio alla base della sua ricerca: l’arte non rappresenta la realtà, ma rende visibile l’energia che abita i materiali.

1966–1967: la Galleria Sperone e il momento fondativo

Nel 1966 espone le prime opere significative alla Galleria Gian Enzo Sperone di Torino, punto di riferimento della scena artistica più innovativa dell’epoca. Il suo linguaggio si fonda su contrasti essenziali: duro e morbido, trasparente e opaco, leggero e pesante.

Non si tratta di opposizioni simboliche, ma di tensioni fisiche tra materiali diversi, capaci di generare quella che Zorio definisce una “conflittualità positiva”: la vitalità che nasce dall’incontro tra forze opposte.

Nello stesso periodo si avvicina a Germano Celant, che riconosce nel suo lavoro uno dei nuclei fondanti della futura Arte Povera: una ricerca basata sulla forza della materia e sull’assenza di mediazioni simboliche.

1967: Arte Povera e la consacrazione

Nel settembre del 1967 partecipa alla mostra Arte Povera – Im Spazio, organizzata da Germano Celant alla Galleria La Bertesca di Genova, insieme ad Alighiero Boetti, Luciano Fabro, Jannis Kounellis, Giulio Paolini e Pino Pascali.

Per Zorio rappresenta la conferma di una ricerca già avviata, costruita attraverso l’esperienza diretta dei materiali e dei loro processi di trasformazione.

Nello stesso anno presenta alla Galleria Sperone un cilindro di eternit sostenuto da camere d’aria: un equilibrio precario tra pesantezza e leggerezza, dove l’opera coincide con la tensione che la mantiene in vita più che con la forma conclusa.

1968: Amalfi e il fuoco come trasformazione

Nel 1968 partecipa ad Arte Povera + Azioni Povere, la storica mostra organizzata da Marcello Rumma ad Amalfi, presentando Il fuoco è passato.

L’opera mette in relazione pelli animali e resistenze elettriche incandescenti, trasformando il fuoco in un agente di metamorfosi. La pelle, elemento ricorrente della sua ricerca, non è solo superficie protettiva, ma diventa forma, materia e memoria del corpo.

Come affermerà lo stesso Zorio: «La pelle che mi protegge dal mondo… ha a che fare con la scultura perché dà la forma.»

Ad Amalfi consolida inoltre il rapporto con Marcello Rumma e Germano Celant, figure centrali nel suo percorso artistico.

1968–1969: la prima personale e l’apertura internazionale

Nel 1968 tiene la sua prima mostra personale alla Galleria Sperone di Torino. L’anno successivo espone per la prima volta a Parigi, alla Galleria Ileana Sonnabend, segnando l’inizio del riconoscimento internazionale del suo lavoro e della diffusione dell’Arte Povera oltre i confini italiani.

La poetica del processo

Dalla fine degli anni Sessanta Zorio sviluppa una ricerca fondata sulle trasformazioni fisiche e chimiche della materia. Ossidazione, evaporazione, cristallizzazione e incandescenza non rappresentano qualcosa: sono l’opera stessa.

Come afferma l’artista: «Le mie opere sono pensate per essere energia stessa. Perché sono sempre opere vive, o sono opere in progress, o opere per il futuro.»

Le sue opere cambiano nel tempo: i metalli si ossidano, i cristalli crescono, i liquidi evaporano. Ogni trasformazione diventa parte integrante del lavoro e rende visibile il continuo divenire della materia.

Il filo incandescente e la stella

Nel 1970 Zorio introduce nelle sue opere il filo incandescente, un filamento metallico portato all’incandescenza dall’elettricità che traccia forme luminose nel buio. Seguono il giavellotto nel 1971 e il raggio laser nel 1975.

Filo, giavellotto e laser sono vettori: non oggetti statici, ma strumenti di proiezione che attraversano lo spazio e trasportano energia da un punto all’altro.

La forma verso cui convergono è la stella a cinque punte, presente nel suo lavoro dal 1972. Cinque direzioni che si irradiano da un centro, come vettori di energia proiettati nello spazio.

Per Zorio la stella non rimanda a un significato simbolico fisso. Come afferma l’artista: «Non c’è mai metafora. A Zorio dell’immagine interessa la forza dei materiali, non il loro valore simbolico.»

La sua geometria coincide quindi con l’irradiazione stessa: un movimento che parte da un centro e si espande in più direzioni.

1972: Documenta V

Nel 1972 Zorio partecipa a Documenta V di Kassel, curata da Harald Szeemann. La presenza alla rassegna segna un importante riconoscimento internazionale e inserisce la fisicità della sua ricerca nel confronto con la performance e l’arte concettuale europea.

Per purificare le parole

Nel 1978 realizza Stella per purificare le parole, sviluppata successivamente in diverse varianti, tra cui Per purificare le parole del 1980.

L’opera è composta da tre giavellotti collegati a un’ampolla in pyrex contenente alcool e fosforo. Le parole pronunciate attraverso un boccaglio vengono convogliate verso l’ampolla, dove il fosforo si illumina a contatto con l’aria.

Il linguaggio viene trattato come una materia da trasportare, filtrare e trasformare. Il principio alchemico entra così nel territorio della parola attraverso un processo fisico reale.

1978–1986: le Biennali di Venezia

Zorio partecipa alla Biennale di Venezia nel 1978, nel 1980 e nel 1986. In quest’ultima edizione gli viene dedicata una sala personale, riconoscimento della maturità e della coerenza raggiunte dalla sua ricerca.

Il giavellotto

Il giavellotto è uno degli elementi più ricorrenti nel lavoro di Zorio. Proietta la forza del corpo oltre il suo limite fisico, raggiungendo uno spazio altrimenti inaccessibile.

Come spiega l’artista: «Il giavellotto arriva dove noi non possiamo arrivare in quel momento.»

Non è quindi soltanto uno strumento atletico, ma un vettore di superamento e di proiezione verso il limite.

La canoa

La canoa entra nella ricerca di Zorio dagli anni Ottanta. Come il giavellotto, possiede una forma allungata e dinamica, ma mentre il giavellotto prosegue senza il corpo, la canoa porta l’uomo con sé.

Nelle sue opere appare spesso forata o incapace di svolgere pienamente la propria funzione, pur rimanendo protesa verso il movimento.

In Canoa aggettante del 2016, la struttura si slancia nello spazio nonostante una falla nel ventre. Al suo interno, un’ampolla contiene un liquido fosforoso mantenuto in movimento da una pompa. La canoa è ferita, ma continua a proiettarsi in avanti.

L’alambicco e il laboratorio

Accanto alla stella, al giavellotto e alla canoa, l’alambicco è uno degli elementi centrali del vocabolario di Zorio.

Vasi, bacinelle, crogioli e ampolle in pyrex compongono veri e propri sistemi di trasformazione, nei quali evaporazione, condensazione, cristallizzazione e reazioni chimiche diventano parte dell’opera.

Zorio non utilizza questi processi come metafore: la trasformazione chimica è un evento reale e coincide con il processo artistico.

1986: la consacrazione europea

Nel 1986, oltre alla sala personale alla Biennale di Venezia, Zorio presenta una grande mostra al Centre Georges Pompidou di Parigi ed espone allo Stedelijk Van Abbemuseum di Eindhoven.

Questi appuntamenti consolidano il riconoscimento internazionale del suo lavoro e testimoniano l’affermazione istituzionale raggiunta dall’Arte Povera durante gli anni Ottanta.

Il Marrano

Negli anni più recenti Zorio sviluppa una serie di opere dedicate al Marrano, realizzate attraverso otri di pelle gonfiati d’aria.

Il termine deriva dal dispregiativo con cui nella Spagna del XV secolo venivano indicati ebrei e mori convertiti al cattolicesimo per sfuggire alle persecuzioni.

Le strutture di pelle si gonfiano, sibilano, si contorcono e ruotano, trasformando la ribellione in un movimento fisico.

Come afferma Zorio: «Ai miei Marrani offro la possibilità di ribellarsi gonfiandosi e sollevandosi per respirare liberamente.»

La storia entra così nella scultura come materia da attivare e trasformare.

Un atto di magia contro la morte

Zorio definisce l’arte «un grandissimo atto di magia contro la morte».

Le sue opere attivano processi che producono luce, calore, movimento e trasformazione, opponendo alla staticità la continua vitalità della materia.

Questa poetica è racchiusa anche in una delle sue frasi più note: «Il fosforo è la speranza, perché mentre noi dormiamo, lui lavora.»

Torino e il riconoscimento internazionale

Zorio vive e lavora a Torino, città che ha accompagnato tutta la sua formazione e la sua ricerca.

Nel 2021 la Galleria Lia Rumma gli dedica una mostra insieme alla videoartista Grazia Toderi, con cui condivide la vita, intitolata G.

Le sue opere sono conservate in importanti collezioni internazionali, tra cui Guggenheim Museum di New York, MOCA di Los Angeles, Hirshhorn Museum di Washington, Castello di Rivoli, MAXXI di Roma, MAMbo di Bologna, Stedelijk Museum di Amsterdam e Tate Modern di Londra.

Ha partecipato a diverse edizioni della Biennale di Venezia e a due Documenta di Kassel. Negli ultimi anni ha inoltre ricevuto la Cittadinanza Onoraria di Torino.

Gilberto Zorio è ancora in attività. I suoi alambicchi continuano a distillare, i giavellotti a proiettarsi nello spazio e le stelle a irradiare energia.

Ogni sua opera è un processo in divenire, destinato a cambiare insieme ai materiali che la compongono. Anche quando la trasformazione si arresta, rimane la traccia dell’energia che ha attraversato la materia.